Mirando a través de la Mandorla

Lautenclavicymbel

2009-08-23T02:34:00.006-04:00

Bach: Works for Lute-Harpsichord
24 tracks - MP3 - RAR 128 Mb

Robert Hill, Lute-Harpsichord

1999 Hänssler

Bach y el laúd están estrechamente relacionados y más de lo que comúnmente se sabe..., con esa frase el blog de la Lira de Orfeo dio la entrada para un artículo magnífico referente a la música de laúd del músico alemán, acá les muestro una de sus variantes en un instrumento redescubierto a la luz de la nueva investigación de los instrumentos históricos.

Este disco es uno de los pocos ejemplos disponibles del sonido del Lautenklavier, la reconstrucción de un instrumento al cual sabemos Bach favorecía mucho.

Se conoce por el inventario de su testamento que J.S. Bach poseía dos ejemplares, e incluso esta documentado que habría colaborado en el diseño de alguno de ellos

El Lute-Harpsichord carece de apagadores de cuerdas, por ello el sonido resultante es muy diferente dado que la cuerda pulsada tiene la oportunidad de dejar de vibrar por sí sola al no ser apagada por la correspondiente almohadilla cuando se retira el dedo de la tecla.

Las cuerdas del instrumento utilizado en esta grabación son de tripa, alejándose de encordados más convencionales como el acero u otros.

También se señala que es de una construcción más pequeña y ligera, y se diferencia de otros teclados históricos como el clavecín en cuanto al manejo de las dinámicas, las variaciones tonales y de color.

Junto estas y a otras especificaciones técnicas, el Lautenklavier emerge como un oscuro y redescubierto mellizo del Laúd, capaz -como señalan textos contemporáneos al compositor- de engañar con su sonido a músicos profesionales

Mucha más información referente al Lautenklavier en este link.

Dumestre, Soberbio!

2009-08-21T18:02:00.004-04:00

AA. VV. Love is Strange
1 CD APE + Cue - 289 Mb - Full Booklet
*** uploaded by dmfm in Avaxhome, obrigado!***

Massimo Moscardo, luths & tiorbino
Eric Bellocq, luth, cistre & guitare
Benjamin Perrot, luths
Jean-Luc Tamby, luth & archicistre
Pierre Hantaï, virginal double
Vincent Dumestre, dessus de mandore, luth, cistre, théorbe

LE POÉME HARMONIQUE
Vincent Dumestre

2005 Alpha

Le Monde de la Musique
« …. Vincent Dumestre and his partners sound the lute, theorbo, guitar mandore and cittern, whose brass strings give a deliciously metallic sound. Pierre Hantaï and his double-keyboard virginals joins them on some tracks or performs solo a few pages from the Fitzwilliam Virginal Book. The narrative construction of each piece, the subtle gradation of nuance, the dynamic diminuendos and the singular sound of the instruments, especially the ceterone, are skilfully recorded by sound engineer Hugues Deschaux, while the mix of melancholy and alacrity make this CD a very enjoyable find. »

Philippe Venturini

Please, check other wonderful recordings by this french ensemble

Los Laberintos Ingeniosos de Mr. Sanz

2009-08-19T11:18:00.005-04:00

Gaspar Sanz. Laberintos Ingeniosos
19 tracks - MP3 192 - RAR 95 Mb - Covers

Xavier Díaz-Latorre, guitarra barroca
Pedro Estevan, percusiones

2004 Zig-Zag Territoires

Vivaldi. Ercole Sul Termodonte (2006 Spoleto)

2009-08-14T03:16:00.004-04:00

Ercole Sul Termodonte, Opera RV 710 (1723)
1 DVD - 1,28 Gb - AVI Compressed - Covers + Notes

Laura Cherici, soprano (Martesia)
Mary-Ellen Nesi, mezzosoprano (Antiope)
Zachary Stains, tenor (Ercole)
Randall Scotting, countertenor (Teseo)
Marina Bartoli, soprano (Ippolita)
Filippo Mineccia, countertenor (Telemone)
Luca Dordolo, tenor (Alceste)

John Pascoe, director, set & costume designer
Sara Erde, choreographer

Il Complesso Barocco
Alan Curtis

49º Festival de Spoleto
2006 Dynamic

For more info regarding what to do with the link

Haciendo experimentos

2009-08-14T02:18:00.004-04:00

Tengo muchas operas, conciertos y documentales de música clásica que quiero compartir. Algunos han sido muy difíciles de encontrar y por lo mismo quiero contribuir a que más de ustedes puedan verlos y disfrutar de ellos.

Mi problema es que no tengo tiempo ni ganas de aprender a comprimir estos tremendos archivos en partes de archivo RAR para que las descarguen de RS con la consiguiente -y comprensible- molestia de los usuarios no premium.

Por lo mismo quiero intentar este experimento de crear un vínculo torrent para estos materiales y asi ustedes los descargan con el programa BitTorrent. Obviamente necesitarán tener el programa y saber medianamente como ocuparlo. En mi caso sólo llevo unas semanas de uso y aún no siento que lo utilizo eficientemente, pero puedo dimensionar el inmenso potencial de este modo de intercambio de información.

De momento he intentado esta forma precaria de subir los archivos torrent a la red. Para ello éstos estarán detrás de una descarga de Rapidshare al igual que con cualquiera de los archivos que subo en este blog. La diferencia es que en vez de descargarlos y descomprimir como es usual, recibirán un archivo torrent que al abrirlo iniciará la descarga en el programa de p2p.

Suena complicado?

Primero necesitan descagar el programa aquí.

A futuro seguramente me crearé una cuenta en algún programa para poder distribuir el archivo con mayor eficiencia. Cualquier cambio en la dirección de los vínculos lo informaré de manera oportuna.

Ojalá todo resulte a la perfección.

***

I have lots of baroque operas, concerts and classical music documentaries that I would like to share. Some of them have been very difficult to find and for the same thing I want to contribute that more of you could watch and to enjoy them.

My problem is that I have neither time nor desire of learning to compress these tremendous files into parts of RAR files in order that they download them from RS with the consequent one - and understandablly - inconvenience of the non premium users.

For the same thing I want to try this experiment of creating a torrent link for these materials and this way you download them with the program BitTorrent. Obviously you will need to have the program and be able use it moderately like. In my case only I go a few weeks of use and still I do not feel that I use it efficiently,but I can measure the huge potential of this new way of information exchange.

At the moment I have tried this precarious way of uploading the torrent files to the network. For it those will be behind a Rapidshare link as with any of the files that I raise in this blog. The difference is that instead of downoading them and un-compress them since it is usual, you will receive a file torrent that ill initiate the download in the p2p program.

Does it sound complicated?

First, you need to download the program here.

To future surely I will create an account in some program to be able to distribute the file efficiently . If there is any change with the links I will inform it on due time.

I hope that everything goes well.

Improvisaciones y cifrados.

2009-08-12T20:07:00.007-04:00

Luis Venegas de Henestrosa: El Arte de Fantasía
27 tracks - MP3 - RAR 101 Mb - Covers

Andrew Lawrence-King, arpa, arpa doppia española, salterio, organo & cembalo
Lee Santana, vihuela & cítara
Hille Perl, viola da gamba
Steve Player, guitarra & percusión
Helen Coombs, organo

The Harp Consort
Andrew Lawrence-King

2000 Harmonia Mundi USA

Por Ignacio Deleyto A.
Revista Filomúsica

El (...) disco de Andrew Lawrence-King recrea la instrumentación de la corte española de Carlos V en las transcripciones e improvisaciones que realizara Luis Venegas de Henestrosa en su Libro de Cifra Nueva para tecla, harpa y vihuela, editado en Alcalá de Henares en 1557. Se trata de una colección de 138 piezas, en su mayoría adaptaciones de obras de Cabezón, Mudarra, Narváez, Josquin, etc. que incluye romanzas españolas, canciones francesas, fantasías y danzas populares transcritas para arpa, vihuela y teclado. Su principal novedad fue la introducción de un sistema de tabulatura en cifras. Tanto Mudarra como Narváez habían recopilado con anterioridad diversas músicas para vihuela pero Henestrosa llevó a cabo la primera publicación sobre cifrado de tecla y arpa.

La idea del disco es recrear, según el patrón de Henestrosa, el arte de la improvisación, habitual en la España de la época, donde no sólo se improvisaba sobre una pieza o composición sino que se podían añadir secciones de varias obras o incluso combinar obras de varios compositores en una sola. Algo que hoy nos puede parecer censurable era, según el propio Lawrence-King, “consecuencia lógica de la cultura de la época de Henestrosa. No sólo se daría la excelencia artística en la creación de una obra nueva sino en la adaptación por otro músico de esa misma obra a través de ornamentaciones escritas o improvisadas, variaciones y modificaciones del original”. Tal libertad creativa es el mejor campo de cultivo para la imaginación y fantasía de los músicos que podían explotar al máximo los recursos expresivos y compositivos de una obra ajena. Precisamente algo así es lo que trata, y creemos consigue, este virtuoso del arpa antigua y su conjunto The Harp Consort en este interesante registro.

La variedad de instrumentación manejada es todo un lujo para los sentidos. Lawrence-King interpreta con igual maestría hasta cinco instrumentos diferentes: arpa doble española, arpa renacentista, órgano, clave y salterio. Además, podemos escuchar vihuela, viola da gamba, cítara, guitarra renacentista y percusión. Todo un despliegue instrumental que hará las delicias de los aficionados a la música instrumental renacentista gracias a la diversidad de color y tímbrica que inunda estas partituras, algunas tan conocidas como las Diferencias sobre Guárdame las vacas o el romance Paseábase el rey moro de Narváez.

La popular Mille Regres de Josquin es interpretada aquí con arpa doble española, instrumento de cautivador sonido que también podemos escuchar a solo en el Soneto a manera de dança de Valderrábano. Igual de cautivadora es Para discantar para salterio y cítara, combinación instrumental de una belleza tímbrica poco habitual.

The Harp Consort cierra el disco de manera imponente con una improvisación al estilo de la época para arpa española, vihuela, viola da gamba, guitarra renacentista y órgano. Riqueza instrumental y fuerza expresiva son dos rasgos comunes a esta última pieza y, en realidad, a todas las que conforman este disco de generosa duración grabado en Cambridge (Inglaterra) en Febrero de 2000.

Bach: concierto sin audiencia.

2009-08-09T18:56:00.009-04:00

The Secret Bach. Works for Clavichord
21 tracks - MP3 - RAR 98 Mb - Covers + Booklet

Christopher Hogwood, clavicordio

2003 Metronome

Monsieur de Sainte Colombe. Pandolfo & Boysen

2009-08-08T12:41:00.004-04:00

Monsieur de Sainte Colombe. Pièces de Viole
20 tracks - MP3 320 - RAR 129 Mb - Covers + Booklet

Paolo Pandolfo, viola da gamba
Thomas Boysen, tiorba & chitarra barocca

2005 Glossa

Sorry I was busy doin´something else

2009-07-31T00:46:00.002-04:00

Alfabeto por el Ensemble Kapsberger

2009-06-30T22:52:00.008-04:00

Alfabeto, oeuvres de Foscarini, Pellegrini, Granata, Corbetta
17 tracks - Mp3 192 - RAR 120 Mb - Covers+Booklet

Rolf Lislevand, guitare baroque & direction
Arianna Savall, harpe & voix
Thor-Harald Johnsen, guitare "battente"
Eduardo Eguez, chitarriglia & guitare "battente"
Bjørn Kjellemyr, colascione
Paolo Pandolfo, viole de gambe soprano
Michael Behringer, orgue positif & clavicorde
Pedro Estevan, percussions

Ensemble Kapsberger

2001 Astrée/Naive

En último término la interpretación auténtica o histórica es otra visión estético-musical.
Es otro enfoque que puede y debe ser tan válido como Furtwängler o Menuhin tocando un Concierto de Brandenburgo. Y con este álbum pretendo intentar explicar mi punto de vista.
Hoy se desplaza hacia un costado las intepretaciones de la vieja escuela centroeuropea de directores de orquesta, tachándolas de "experimentos", o más benévolamente de "románticas". Se habla de que no ocupaban instrumentos históricos o que teniéndolos aplicaban otras técnicas, que las orquestas estaban sobredimensionadas, el rubato, el vibrato, y un largo etcétera. Se menciona casi como un pecado que aquella era la visión propia de Klemperer, de Beecham. Como si Pluhar, McCreesh, Haim, Rousset y otros carecieran de "su visión" y crearan desde una objetividad casi angélica respaldada por estudiosos, luthiers, manuscritos y -no menor- un mercado discográfico que se ha mostrado extraordinariamente acogedor con estos revolucionarios de anteayer que trajeron nueva música y nuevos auditores/compradores a un mercado difícil.
Pues bien señores, la objetividad es un bien tan escaso y acaso imposible en los ámbitos de la sensibilidad como el que más.
Pretender dar una visión excluyente al término auténtico me parece algo muy soberbio, y me parece que nuestros antepasados se merecen algo más de respeto.
Y qué puede tener que ver todo ésto con el disco Alfabeto?
Nadie puede discutir los pergaminos HIP de Rolf Lislevand, ni de quienes lo acompañan en esta ocasión (entre ellos el formidable Eguez), ni nadie pondrá en duda el intenso estudio y preparación sobre fuentes históricas que el guitarrista noruego pone en cada proyecto, nadie tampoco dejará de poner atención en su guitarra modelo italiano del siglo XVII. Sin embargo, y así lo da a entender Lislevand en un momento de lucidez y humildad en las notas del disco, si bien la melodía puede ser derivada de la lectura de los manuscritos, la armonía y el ritmo necesariamente deben venir de fuentes contemporáneas o de otras obras del autor. Y ahí se introduce un elemento de discrecionalidad tal que nuestra ecuación de autencidades, de objetividades, se va un poco al cuerno.
Y nos quedamos entonces con la visión de Lislevand.
Porque a fin de cuentas prima su elección de ritmos, acentos y armonías.
La música es una experiencia auditiva, y a no ser que alguien logre descubrir una brecha en el espacio-tiempo, jamás nos será dado oír a Kapsberger, a Marais y a sus cuerdas de tripa de gato, o a los anónimos músicos que tocaban el Roman de Fauvel.
Dejémos que el mismo Lislevand nos lo cuente: "The written words of poetry are poetry, and painted forms and colours are painting, but musical notation is not the music, and cannot alone testify to the experience of music. The further back we go from our own time, the less we can rely on musical notation to tell us about the music itself".
Si lo anterior no implica entonces trabajar con un enfoque propio para acercarse a este repertorio, entonces me perdí.
Si bien suena un poco burdo, la música es buena o mala. Genera sensaciones en tu oído o no, y eso es independiente de etiquetas, escuelas, luthieres más o menos.
Y acá, con Alfabeto, tenemos un ejemplo sobresaliente. De la buena.

Integral de Rameau por Scott Ross (Stil)

2009-06-29T13:04:00.006-04:00

L'Intégrale de Pièces de Clavecin au Château d'Assas
3 CD - Mp3 256 - RAR 295 Mb - Covers (incomplete)

Scott Ross, clavecin

1975 Stil

*** NEW LINKS***

La 'Lucrezia' de Gérard Lesne

2009-06-27T17:45:00.006-04:00

'Lucrezia'. Cantates pour Alto Solo
9 tracks - Mp3 320 - RAR 93 Mb - Cover+info

Gérard Lesne, alto
Il Seminario Musicale

1991 Virgin

Klimt

2009-06-27T13:43:00.002-04:00

La Música, Gustav Klimt.

Vivaldi Récital de Philippe Jaroussky 2005

2009-06-25T23:26:00.008-04:00

Vivaldi Récital de Philippe Jaroussky (Paris, 23 January 2005)
13 tracks - Mp3 128 - RAR 62 Mb - No covers, booklet or info at all

Philippe Jaroussky, haute-contre

Ensemble Matheus (?)
Jean-Christophe Spinosi

Paris 2005

Personalmente no creo que el hoy ya muy famoso contratenor francés Philippe Jaroussky tenga -como se dice usualmente- una voz angelical.
Solemos pensar que la ausencia del tradicional y pesado vibrato belcantista transforma una voz en algo digno de knabenchor. Y por lo mismo Harnoncourt, un ejemplo, les entregaba los roles de alma o angel a chicos de voces blancas. Una vision muy influenciada, a mi parecer, por la escuela inglesa de interpretación histórica que se impuso desde la década del '70 hasta hace casi una década con Hogwood como estandarte.
A diferencia de lo anterior yo veo en Jaroussky a un cantante con una visión teatral, retórica, sensual (en un sentido earthy, diríamos). La voz del cantante francés, entonces, está más en la línea de lo que hoy se entiende por Barroco.
El concierto que se ofrece en esta ocasión es uno entrañable. Como se dice en mi país, el joven cantante patina (yerra) en muchos de los complicadísimos y demandantes trinos y jugarretas vocales que el cura pelirrojo le exigía a sus solistas (siento que Vivaldi veía a sus cantantes como una suerte de violines, algo muy barroco dado que en esta época se busca que los instrumentos hablen y todo se mira desde un enfoque vocal), pero volviendo al punto éstos son errores de gigante, intentonas de genio que busca encontrar su punto de equilibrio. No acudimos aquí al derrumbe de una voz como en la triste entrega de Rolando Villazón y los Gabrieli Players en el reciente disco de Handel.
Por el contrario, Jaroussky está relajado nadando en un medio amable y propio, tanto así que hasta se da el tiempo de bromear ofreciendo canciones de Aznavour a un público que se rinde a sus pies. La audiencia está cautiva de la joven voz, y los bravos y los aplausos emocionados e impulsivos resaltan de manera dramática (barroca) las piezas seleccionadas.
Presumo, dado que no tengo los datos fehacientes, que el contratenor se acompaña del formidable Ensemble Matheus, dirigido por Jean-Christophe Spinosi. Esto por varias razones. En esta época Jaroussky y el director estaban abocados al disco Heroes y el repertorio de éste recital se compone en su mayoria de temas sacados de este disco. También la orquesta suena como Matheus, vibrante y enérgica, llena de fuego -la sinfonia que abre el concierto es irresistible.
Como se burlarán (en el limbo, el cielo o el infierno, donde sea que se encuentre) de Stravinsky quienes hoy vuelvan a leer sus infames declaraciones acerca de que Vivaldi había escrito una y otra vez el mismo concierto (!), frases dictadas, imagino, desde una confortable habitación californiana con aire acondicionado y murallas enchapadas en madera de caoba, las mismas que hoy encierran un silencio de heladas soberbias muertas y humilladas por el devenir histórico y estético.
Y bien, siguiendo a nuestro difunto amigo Stravinsky aquí encontrarán 13 veces la misma aria repetida en cada ocasión de manera singular y magnífica.
Talbot, Sardelli y tantos nombres de ilustres musicólogos que se me escapan le han hecho un favor incalculable tanto a las compañías discográficas -proveyéndolas de material fresco- como a nosotros, humildes oyentes, descubriendo nuevas óperas del cura veneciano. Y me imagino que aún podemos esperar más descubrimientos basándonos en las vanidosas declaraciones de Vivaldi quien decía que se demoraba más escribiendo un concierto que componiéndolo en su mente.

Un concierto inigualable, pleno de emoción, juventud y brío. Una dicha.

Vivaldi - XII Suonate di Manchester

2009-06-24T10:26:00.007-04:00

XII Suonate a Violino solo, e Basso per il Cembalo
2 CD - Mp3 192 - RAR 215 Mb - Covers

Fabio Biondi, violino
Rinaldo Alessandrini, cembalo & organo
Maurizio Naddeo, violoncello
Paolo Pandolfo, contrabasso
Rolf Lislevand, tiorba & chitarra

1992 Arcana

Juan Sebastián se deshace de su peluca

2009-06-19T21:56:00.010-04:00

Die Kunst der Fuge BWV 1080
19 tracks - Mp3 160 - RAR 104 Mb - Covers+info

Oliver Boekhoorn, oboe, oboe d'amore, english horn
Raaf Hekkema, soprano & alto saxophone
Ivar Berix, B flat & E flat clarinet
Jelte Althuis, basset horn & bass clarinet
Alban Wesly, bassoon

Calefax Reed Quintet

2000 MDG Scene

Bach Rid of His Wig
by Ivar Berix

Notes on The Art of Fugue

Since its founding in 1985 Calefax has occupied itself more intensively with Johann Sebastian Bach's The Art of Fugue than with any other composition. Raaf Hekkema began with a first arrangement in 1990, we began playing smaller selections in 1994, en in 1999 we were able to perform a complete version. During all these years The Art of Fugue has become increasingly dear to our hearts. We have become acquainted with this work step by step and learned how to play it better in close contact with it. In addition, we have varied the instrumentation repeatedly so that at present the five musicians employ a total of ten instruments.

Recently in particular, however, it has also become clear to us that The Art of Fugue is indeed a very sensitive composition. It is not without reason that it has continued to be the subject of new discussion among musicians and musicologists. A great many still unsolved riddles surround the work. Here we would only like to mention a few of these questions. Why did Bach not prescribe an instrumentation and what significance does this have? What is the proper order of the parts? Should one adapt the part writing in an ensemble performance? Should one follow the first edition or the manuscript? Why did the Contrapunctus XIV remain unfinished? Can one even perform an unfinished work? If yes, how should one deal with such an abrupt ending? Was The Art of Fugue intended for practical performance? Or was it perhaps instead a theoretical (learning) piece concerning counterpoint? Our occupation with these and many other (still unresolved) questions was very productive for us. We sometimes also felt the danger that the performance of this music was becoming a less spontaneous, almost theoretical matter.

Our encounter with Contrapunctus XIV by the Dutch artist Pascal Möhlmann was therefore a relieving experience. In this painting one sees Bach before a background of fourteen golden stripes. The expression on his face suggests very attentive listening or observing. The piece of paper that he is holding in his right hand contains the fragment of a musical score and represents one possible ending of the unfinished Contrapunctus XIV. When we consider Bach himself, we notice at second glance that he has finally taken off his wig 250 years after the Hausmann portrait. We see a human being! A somewhat corpulent man with a stubble beard who outdid most of his genial colleagues as a musician. The human quality revealed to us for a moment in this portrait increased our desire not to continue to spin Bach into his own mystical web. We simply want to play his music and, if necessary, to adapt his music to the instruments available to us, just as he adapted his music to the instruments available to him. Respect need not mean keeping one's distance. What one wants to view respectfully from close up is something that one can take one's time to absorb into oneself. What one regards with tender esteem brings with it an invitation to pleasure. After all, the best baker in town has a practical goal in mind, namely that people eat his bread.

***

www.goldberg-magazine.com
Igor Kipnis

Aunque la supuesta "última obra" de Bach sigue siendo todavía objeto de controversia en varios aspectos, como el del orden ideal de las piezas, la mayoría de los musicólogos especializados en Bach están de acuerdo en que, por lo que respecta a la instrumentación, el medio recomendado es un instrumento de tecla. Sin embargo, desde el punto de vista del color, la variedad tímbrica y la claridad de las partes, es comprensible que hayan sido tantos los intérpretes que han optado por plantillas diversas que recorren toda la gama posible, desde dos instrumentos (como un dúo de pianos) hasta un tratamiento para cuerdas u orquesta completa, pasando por conjuntos de flautas dulces, cuartetos de cuerda o de saxofón y bandas. Aunque ha habido ya conjuntos instrumentales mixtos, sobre todo del siglo XVIII, esta interpretación es quizás la primera que incluye una combinación de instrumentos antiguos y modernos, en este caso oboe, oboe d'amore, corno inglés, saxofones soprano y alto, en si bemol y mi bemol, y clarinetes bajos, corno di basetto y fagot, todos ellos instrumentos de lengüeta.

Es muy interesante oír cómo los cinco músicos se conjuntan para producir con sus instrumentos un sonido muy convincente que consigue diferencias más eficaces que, por ejemplo, un grupo de cuerdas moderno. Una de las razones de este resultado es, quizá, la articulación más definida de los timbres de las maderas y la claridad resultante en las voces. El orden de los contenidos es razonable: cada uno de los cánones a dos partes aparece intercalado entre los diversos grupos de fugas. El trabajo se completa con la fuga final (inacabada, pero concluida con el coral habitual). Desde un punto de vista estilístico, mi versión preferida del Arte de la fuga con varios instrumentos sigue siendo el CD bastante reciente de Concerto Italiano y Rinaldo Alesandrini en Opus 111. Pero vale la pena escuchar esta nueva interpretación por su fuerte expresividad y su claridad textural.

Emblema

2009-06-15T12:29:00.001-04:00

F. Couperin - Apothéose à la mémoire de Lully & 3 Sonates

2009-06-15T00:41:00.004-04:00

Apothéose à la mémoire de Lully & 3 Sonates
36 tracks - Mp3 320 - RAR 146 Mb - Covers+Booklet

Sigiswald Kuijken, Lucy van Dael, violino
Wieland Kuijken, violoncello & basse de viole
Adelheid Glatt, basse de viole
Barthold Kuijken, Oswald van Olmen, flauto traverso & flauto diritto
Bruce Haynes, Paul Dombrecht, oboe
Hansjürg Lange, fagotto
Robert Kohnen, cembalo

1973, 1975 Seon/Sony

¡Una resurrección! Aunque parcial... Esta grabación mítica de Seon, realizada en 1973 bajo la dirección de Wolf Erichson, comprendía seis discos de vinilo con los Concerts Royaux, la Apothéose de Corelli, la Apothéose de Lully, los Goûts-Réunis y tres sonatas: La Sultane, La Steinquerque y La Superbe. RCA sólo había vuelto a publicar en compacto los Conciertos, los Goûts-Réunis, las Apothéoses y La Superbe. Ahora, Sony recoge tan sólo la Apothéose de Lully y las tres sonatas. Este batiburrillo no debe hacernos olvidar lo esencial: el carácter propiamente histórico de la grabación, que reúne en torno a Sigiswald Kuijken a un batallón de agitadores, escandalosos en su momento, que trabajaron por la renovación de las prácticas instrumentales. Varios amigos tejen en torno a los tres Kuijkens el nuevo ovillo del lenguaje barroco a la francesa, sus golpes de arco y sus adornos.

Como sucede con cualquier manifiesto, el entusiasmo genera los fallos inherentes a las cualidades. Se trata, a fin de cuentas, de la primera concreción de un largo trabajo teórico un tanto doctrinal. La sequedad de ciertas frases, la acritud de los violines y la falta de implicación afectiva en la ejecución son otros tantos escollos que hoy parecen evidentes y de los que los propios intérpretes se han desembarazado en buena medida. Prestemos, pues, a este disco la atención emocionada y lúcida de una generación a sus maestros.
SOPHIE ROUGHOL

(citado sin permiso del excelente portal de música antigua Goldberg)

Sainte Colombe. Concerts à Deux Violes Esgales - Savall & Kuijken (1976)

2009-06-12T20:48:00.006-04:00

Concerts à Deux Violes Esgales
5 tracks - Mp3 320 - RAR 113 Mb - Covers+Booklet

Wieland Kuijken, basse de viole de 7 cuerdas (anónimo, inicios s.XVIII)
Jordi Savall, basse de viole de 7 cuerdas (anónimo, fines s.XVII)

1976 Astrée

Para mí la música de Marais y de St. Colombe está íntimamente asociada a la ya vieja película "Tous Les Matins du Monde". Es pueril, pero a falta de retratos del obscuro autor francés me imagino al maestro de Marais con el rostro del actor del filme, J.P. Marielle, y creo que no podría ver otra película suya sin riesgo de herir mi mitología personal. Ya verán cómo otros difieren conmigo en ésto.
Así, la visión de un cineasta -Corneau- que trabaja sobre la fantasía de un escritor -Quignard- sobre una historia transcurrida hace 400 años, y que recién fue llevada al relato testimonial 50 años después de ocurrida por los periodistas de la época, me sugiere un juego de espejos ambiguo y sugerente donde el sonido de las cuerdas rasgadas deviene soundtrack perfecto.
No sé si Marais tocaba La Reveuse a los pies de la cama de la hija de St. Colombe, ni tampoco sé si ella existió. Ni siquiera existe certeza de la identidad del mismo St. Colombe, fuera de un puñado de datos de archivo. A fin de cuentas no me importa. Toda esa vaguedad me agrada, y me sirve como marco para una música que no puedo ni quiero abandonar jamás.
Y bien, como veremos a continuación, a través del testimonio del novelista Pascal Quignard, todo ese juego de abalorios se desató a raíz de éste disco, el primer monográfico dedicado a Monsieur de Sainte Colombe a diez años del descubrimiento de sus partituras (1966).

“Me recreé en la evocación de Sainte Colombe en “El Salón de Wurtenberg”, novela que apareció en 1986. Y en “La lección de música”, en 1987. Y en “Todas las mañanas del mundo”, novela que escribí en 1990. Y en “Terrasse à Rome”, novela publicada a principios del año 2000. Aún hay otro libro a punto de aparece e impregnado de él, que habla de su vejez, de su regreso a Inglaterra. No sé si algún día osaré confiárselo a un editor. La extrañeza invade la última línea de la novela: “No era sino tristeza, hambre, rabia, arrogancia, herida”. Así concluye, de manera apenas explicable, el relato.
Nada sé aún de su muerte.
Nada se sabe de su infancia. De su adolescencia.
Descubrí a Sainte Colombe tras comprar un disco negro que habían grabado Wieland Kuijken y Jordi Savall en 1976. Contenía cinco de sus “Concerts à deux violes esgales”, entre los que figuraban el “Tombeau Les Regrets”, diez años después del descubrimiento de las obras de Sainte Colombe en Ginebra, en 1966.
La imagen de Sainte Colombe me quedó para siempre impregnada del semblante de Jordi.
Más enjuto tal vez.
En mi manuscrito, estas palabras lo definían: “Desapacible, humilde, libre, pacato, huidizo, intempestivo, refinado, astuto, sutil, brusco, misterioso”.
Siempre creí que Madame de Sainte Colombe se parecía, como se parecen dos gotas de agua, a la Palas romana de Ravello. Alta, mucho más alta que Sainte Colombe, de senos preciosos, plácida, robusta, segura, generosa, rotunda, tranquilizadora. No hay ni una sola palabra, en los cuatro libros que acabo de mencionar, acerca de su singular vida, anterior a la muerte que se la habría de llevar.
En 1986, Karl Chenogne, el protagonista de “El Salón de Wurtenberg”, viola y narrador, escribe: “Desde el otro extremo del auricular, una voz que cruzaba el océano Atlántico me pedía que grabara la integral de las obras para viola de Sainte Colombe, que escribiera una biografía, que reuniera la iconografía para una caja, un gran lanzamiento, un catálogo para una exposición, y que anotara los elementos principales para una película-romanza... Dos fundaciones norteamericanas y una universidad de California correrían con los gastos de producción. Un director de renombre se haría cargo del proyecto cinematográfico. Parecía como si todo el universo, de pronto, descubriera a Sainte Colombe...”.
Tuvieron que pasar cinco años para que el contenido de la novela superara a la realidad; o, cuando menos, para que llamara su atención.
Y no se produjo en California, sino en París.
Recuerdo mi primer encuentro con Jordi, en 1990. Había leído mi novela: tanta era su concentración que en él veía a Sainte Colombe. Se refería a ella como lo habría hecho Sainte Colombe. Estaba espléndido, y nada ansiaba más, por aquel entonces, que entrar en contacto con personas del mundo del cine. En compañía de Montse, fuimos a Port Royal les Chams. Grabaron bien entrada la noche. Hacía frío. Yo dormía estirado sobre un banco en la capilla.
No asistí, posteriormente, al rodaje de la película.
Un único recuerdo conservo del año 1991.
Se trata de una vieja partitura del siglo XVII sobre la que Jordi copió, a mano, la obra de Sainte Colombe titulada “Les Pleures”, en tinta azul, en clave de do. Al pie de la partitura, Jordi escribió “Para Pascal como recuerdo de un sueño...”. En ocasiones, los sueños trascienden la noche que los alberga. El músico Sainte Colombe ya es tan indiscutible como el pintor Georges de la Tour, quien apenas empezó a existir a finales del siglo XIX y que no habría regresado de no ser por Stendhal y Taine. El imaginario planta sus semillas en la realidad y en le tiempo y poco a poco el tiempo las imbrica y las ramifica, crecen. El arte es tan extraño. La supervivencia es tan extraña. Comenzamos devorando a nuestra madre en su propio vientre. Después, en su leche. Por su mirada, les arrebatamos la lengua. Somos todos ladrones. Al responder a sus sonrisas creamos el sentido. La instrucción no es sino chupar los huesos de los cadáveres, horadarlos, imbuirse de la muerte de nuestros predecesores. La vida es pegarse como parásitos a las obras, a las ruinas de las obras, al recuerdo de las obras. Vivimos rodeados de alucinaciones que apenas disimulan la carencia o la ausencia. Nuestra existencia es precaria y falta de sincronía. Comenzamos demasiado pronto. Morimos, sin excepción, antes de haber madurado.
Lo originario es siempre invisible.
Los auténticos mensajes recorren los cuerpos a espaldas de quienes los intercambian.”

Sainte Colombe. Concerts à Deux Violes Esgales - Savall & Kuijken (1992)

2009-06-12T18:02:00.006-04:00

Concerts a Deux Violes Esgales, Tome II
5 tracks - Mp3 320 - RAR 110 Mb - Covers+Booklet

Jordi Savall, basse de viole de 7 cuerdas (B. Norman 1697)
Wieland Kuijken, basse de viole de 7 cuerdas (N. Bertrand 1704)

1992 Astrée-Auvidis

.

La lección de uno de los Padres Fundadores

2009-06-11T16:19:00.009-04:00

René Clemencic et ses flûtes

9 tracks - Mp3 320 - RAR 92 Mb - Covers+Booklet

René Clemencic, flûtes
Peter Widensky, régale, positif baroque
Andras Kecskés, chitarra sarracenica, rubebe, luth, guimbarde
Essmail Vasseghi, tympanon, tambour
Wolfgang Reithofer, tambourin, tambour, darabukka, cymbales, buche

1977 Harmonia Mundi

Compositor, director de orquesta, director y fundador del Clemencic Consort, intérprete de la flauta, clavicordio, clavecín y órgano, musicólogo y escritor, coleccionista de arte....
Este octogenario austríaco de ascendencia centroeuropea, se graduó de la Universidad de Vienna a mediados de los años 50 con estudios en filosofía y música y ya en 1958 fundaba su primer conjunto el Ensemble de Musica Antiqua. Desde 1966 es responsable del ciclo de música antigua de la Gesellschaft der Musikfreunde de Vienna y funda su propio -y ampliamente conocido- consort en 1969.
Ha recibido innumerables premios y galardones y ha grabado más de 100 discos que abarcan un repertorio que va desde el medioevo al avant-garde. Gracias a su trabajo hemos podido conocer obras como Carmina Burana, las Cantigas, el Ludus Danielis, el Roman de Fauvel, obras de Dufay, Obrecht, Ockeghem, Josquin...
Un currículum agotador.
En esta ocasión les presento un disco muy breve pero representativo de este verdadero monstruo y uno de los responsables de que estemos ahora hablando de música antigua. Un verdadero hijo del multiculturalismo de mediados del siglo pasado inmerso en esa lógica eurocentrista noble e ingenua que dio a luz obras/fenómenos tan variados como la UNESCO y la world music.
Ojo con el control de la respiración en la pista 2.

Il Jazz del Cinquecento - Paolo Pandolfo

2009-06-11T02:18:00.000-04:00

Improvisando. Il Jazz del Cinquecento
15 tracks - Mp3 192 - RAR 107 Mb - Covers

Paolo Pandolfo, viola da gamba
Guido Morini, cembalo & organo
Thomas Boysen, tiorba & vihuela
Andrea De Carlo, violone
Álvaro Garrido, percusion
Céline Scheen, soprano
Marie Gelis, organo

2005 Glossa

Conversando en una ocasión con mi amigo Esteban me dijo que las Suites para Cello de Bach grabadas por Pandolfo -en viola da gamba- eran NUEVA MUSICA, así tal cual. Al interpretar una obra conocida en otro medio diferente al cual estaba destinada el músico vendría a tomar, también, un rol creador.
Unos años después de esa grabación, que estableció un hito, el violagambista nos sorprende con más Nueva Música. Y yo, que oía música antigua, me empecé a sentir muy a gusto con esta cosa nueva.
Claro que en esta ocasión la opción por lo nuevo es más rotunda. Bueno, no hablo de revoluciones acá sino que de un fenómeno que es delicado y exquisito.
Tomando como base la postura ante la música de los intérpretes de hace 400 años -esto es, músicos que se enfrentaban a un boceto y lo glosaban, lo variaban- Pandolfo y sus amigos se lanzan a improvisar.
No suena a nada muy nuevo, pero sí lo es. En el mundo de la música clásica la improvisación, si no inexistente, es algo muy raro. Pero cobra sentido cuando quienes la practican son músicos dedicados al renacimiento y al barroco, personas que funcionan en la lógica que ya mencionaba. Lo que hace más rara esta empresa es cuan sólida se oye esta música: pareciera música escrita.
Este disco es el fruto de una mente y una sensibilidad poderosas como la de Paolo Pandolfo, un contrabajista de jazz que hace 30 años entro a la música antigua vía Schola Cantorum Basiliensis y vía Jordi Savall -de hecho él ocupa su cátedra en la escuela suiza. Luego de eso vendrían años junto a Hespèrion XX y una carrera solista que se caracteriza por la aventura y el rigor. Su afirmación que más lo caracteriza -a mi juicio- es aquella que dice que la viola da gamba no es un instrumento histórico atado a la música de hace tres siglos.
Eso me encanta. Y este disco también. Encontrarán en él momentos de una ternura que hiere, risas en el bosque del rey, pájaros, danzas, percusión, episodios poderosos y otros muy vehementes. Todo acá es belleza. Emoción.
Circula en internet una entrevista donde Pandolfo reflexiona acerca del proceso de crear este Improvisando y menciona cómo se inspira en Platón y su discusión acerca de la preponderancia de la palabra escrita y la hablada, inclinándose por esta última -en oposición al pensamiento del siglo XXI, que se apoya fuertemente en la sabiduría archivada. Que mejor declaracion de principios.
Improvisar aquí no es sólo lanzarse y ya, es más la reflexión nacida de algo que se comprende muy profundamente. Y cómo no, si los bocetos que se usan para la creación son antiguos amigos como La Spagna, Douce Memoire, Las Vacas, La Folia y otros. Viejos amores que nos han acompañado desde que empezó este renacer musical hace treinta años, a nosotros los aficionados, y también a ellos, los músicos.
Siento que este fenómeno de la Música Antigua, si bien se enfrenta a un cierto estancamiento -natural- presenta a la vez un cierto coming-of-age, una madurez en muchos sentidos. Y este disco es una de las manifestaciones de esa madurez. Tambíen podríamos mencionar el carácter rock-star de Jaroussky, o la incursión (criticada) de un belcantista como Villazon en terrenos handelianos, por nombrar un par de manifestaciones muy notorias (frívolas?).
Como si alguien se dedicara hoy a crear poesía en lenguas muertas, ocupando métricas y rítmicas olvidadas, Pandolfo abre una ventana que te llena de refrescante aire.

Carmina Burana - Historical Recording

2009-06-11T01:50:00.002-04:00

Carmina Burana - Clemencic Consort
3 CDs - Mp3 320 - RAR 422 Mb - Covers+Full Booklet

Clemencic Consort
René Clemencic

1975, 1976, 1978 Harmonia Mundi

Jazz Dispute by Weepingprophet

2009-06-10T14:03:00.001-04:00

Fractales: Mandelbrot, Newton, Bach

2009-06-10T13:59:00.000-04:00

Panda Revolution

2009-06-08T23:22:00.001-04:00

Prelude Classical Awards 2009: CD of the Year.

2009-06-07T17:06:00.007-04:00

J.S. Bach. Sonates BWV 1027-1029, Chorals & Trios
APE CUE - RAR store 325 Mb - Covers+Booklet

Bruno Cocset, alto 'Bettera', ténor & grande basse de violon 'alla bastarda'
Bertrand Cuiller, cembalo & organo positivo
Richard Myron, contrabasso

Les Basses Réunies

2009 Alpha

Hace un poco más de un mes se entregaron los Premios Prelude -que corresponden a la iniciativa de una tienda holandesa de discos, revista y website especializada- y me puso muy contento el saber que este disco fue galardonado.
Al parecer los señores que están a cargo de este premio tienen visiones bastante particulares y, a grandes líneas, se puede decir que se enfocan en las obras de sellos discográficos pequeños, ojalá con artistas que traten repertorios insuales o nuevos. Vendría a ser un premio underground.
Pero volviendo a este álbum. No podríamos decir que la novedad va por la elección de la música, más bien lo que creo hizo merecedores a Bruno Cocset y su grupo (y es mi opinión pues el jurado de Prelude no suele publicar las consideraciones de sus decisiones) es primero el enfoque estético sobre el repertorio y segundo la instrumentación usada.
Acerca de lo primero podemos decir que el mérito acá es redefinir o quizá más bien borrar los límites entre sacro y secular en la música de Bach. Imbuídos como estamos por la pretensión tan aristotélica de clasificar y poner etiquetas en todos lados, nos olvidamos que tal diferencia no existía en la música que el Cantor de Leipzig creaba.
El recurso de la Parodia (entendida como lo hace Harnoncourt en su ensayo 'Parody Problem on Bach') hace que todo sea mucho más claro: Bach citaba sus obras en otras, una suerte de reciclaje diríamos hoy, en el que un coral de órgano se transforma en un aria, o un movimiento de triosonata deviene un movimiento de concierto. Una cantata secular en honor de un príncipe se vuelve una de las cantatas del Oratorio de Navidad. Todo encuadrado en un viceversa muy complejo, lleno de esos significados exquisitos y misteriosos de los que la música de Bach está llena.
Así las cosas este disco se ordena en torno a las tres conocidas sonatas para viola de gamba utilizando los corales y los tríos (originalmente para teclado) como marcos de significado a la vez poético y simbólico en cada sonata, configurando trípticos -lo dice el mismo Cocset. Todo lo anterior - la abolición de etiquetas/fronteras, los trípticos- en un nuevo intento por capturar la esencia, la sublimidad y la universalidad de la música. Y vaya si lo logran.
Alla Bastarda -expresión intrigante que se repite por todo el disco-, es la palabra clave en lo que se refiere a la instrumentación. Son instrumentos de la primera mitad del siglo XVII, mitad viola mitad violín, usados en los consort de la época. Virtuosísticos, ideales para la polifonía y los affetti, perfectos para entregar elocuencia a la melodía. Pertenecen a ese momento en la prehistoria de los instrumentos modernos, cuando las nomenclaturas eran vagas (se les llama por la tesitura alto, taille) y no existe certeza absoluta si es que se tocaban entre las piernas o en el hombro.
Pues bien, esos son los intrumentos que Bruno Cocset utiliza en el disco. Detrás de ello hay una intención, también, de conectarse con el Bach que mira tanto al humanismo secular de la Ilustración como al músico pasado de moda que trabaja con contrapuntos, disminuciones y fugas del siglo anterior.
Y no contento con todo lo anterior, el cellista francés en conjunto con el luthier francés Charles Riché construyen una viola alla bastarda basándose en una pintura del siglo XVII, una Naturaleza Muerta con Instrumentos, del italiano Bettera. Este instrumento inédito ocupa entonces el rol de narrador-mensajero-hilo conductor a través de los tres trípticos. ¡Un Evangelista instrumental, que propiamente bachiano!
Como siempre ocurre con el sello Alpha el sonido es maravilloso y el booklet es un lujo. Tan sólo lamento no poder ofrecer este disco en formato de Mp3 y lamento que el link a éste tampoco me pertenezca, así que las gracias van para KNMN de la website de Avax.

J.S. Bach - Trio Sonatas BWV 525-530

2009-06-05T17:00:00.002-04:00

Download RS
18 tracks - Mp3 320 - RAR 155 Mb - Covers+Booklet

Simon Preston, organo

Diego Ortiz - Recercadas del Trattado de Glosas

2009-06-05T13:06:00.004-04:00

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27 tracks - Mp3 320 - RAR 105 Mb - Covers+Booklet

Jordi Savall, viola da gamba
Ton Koopman, cembalo & organo
Lorenz Duftschmid, violone
Paolo Pandolfo, viola da gamba
Andrew Lawrence-King, arpa

Siguiendo la sugerencia del notable Orpheo les incluyo unas notas muy buenas a este disco. No está demás visitar su excelente blog.

Michel de la Barre - Pièces pour la Flute Traversière

2009-06-04T03:05:00.005-04:00

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16 tracks - Mp3 320 - RAR 94 Mb - Covers+Booklet

Stephen Preston, flauto traverso
Jordi Savall, viola da gamba
Blandine Verlet, cembalo
Hopkinson Smith, tiorba

Many years ago, I was in the university and I was to listening to a concert, I newly was experiencing the meaning of the baroque music and for this then quite, from the instruments to the sounds, was a discovery.
In the program an unknown and minor author was appearing -De La Barre- with a work of very particular name: L'Inconnu (the unknown).
It was the first time that I heard a baroque flute and simultaneously such an evocative, delicate, intimate piece. Such a particular sound of the instrument was making me feel as if I heard the musician breathe . Everything in this sonata is like to dive in a dream.
IMHO this modest piece summarizes very well the late French baroque: elegance, containment, rhetorical nostalgia, tendresse.
This is also a very rare album.
Enjoy!

Chet Baker Trio 1979. Montmartre, Copenhagen

2009-06-02T00:45:00.008-04:00

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4 CDs - Variable bitrate - RAR 330 Mb - Covers+Booklets

Chet Baker, trumpet & vocals
Doug Raney, guitar
Niels-Henning Ørsted Pedersen, bass

The year 1979 found the American trumpet player Chet Baker - with 50 years and a career of almost three decades - playing in Europe as one more exile, joining a long list of jazz musicians as Dexter Gordon, for example, that were employed at the famous Copenhagen's Montmartre Jazzhus.
With the stamp of this club in mind we bring you in this occasion a complete cycle of recordings done by the Chet Baker Trio in Copenhagen; a session album, recorded in June: The Touch of Your Lips, and three live discs recorded in the Jazzhus the night of October 4: Someday My Prince Will Come, Live in Montmartre Vol. 1 'Day Break' and Live in Montmartre Vol. 2 ' This is Always ', all under the label SteepleChase.
In all the formation is the same, a trio without battery - perfect support for the Baker of the ' 70 and ' 80- in the one that could develop his intimate vision of jazz. He is joined by the guitarist Doug Raney and the great bassist Niels-Henning Ørsted Pedersen, for a long time associated with the Danish club in varied recordings and discs.
If on the session album the repertoire consists of standards, in the concert of October 4 they are songs less known, in the whole Chet Baker is in great form and in full domain of his musical habillities also the members of the group are very overlapped by the sonority of the trio and demonstrate a great sensibility to the particular sound of the trumpet player.
In spite of the sad and black reputation that always surrounded this musician and that accompanied him up to the death it is important to remember that if he managed to be inside the major leagues of the jazz it was for something more than his personal legend, these discs are an authentic proof of it.

Francis Bacon Studio

2009-05-30T20:29:00.002-04:00

Cantatas and Sonatas with the Viol - Ensemble Baroque de Limoges, Ch. Coin (2000)

2009-05-30T17:07:00.009-04:00

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22 tracks - Mp3 320 - RAR 110 Mb - No Covers No Booklet

Ensemble Baroque de Limoges
Christophe Coin

personnel & tracks info here

Even not a lot of time ago Dietrich Buxtehude was more known for being Bach's mentor and for his role as organist and composer of the virtuous School of the North of Germany, in that order.
Some years would pass before his kammermusik -in spite of that it is a very small part of his work- was revealed in all its force by ensembles such as the Boston Museum Trio, John Holloway with ter Linden and Mortensen, Music Antiqua Koln or Ton Koopman among others.
Nowadays that so restricted vision has stayed in the past and Buxtehude occupies a place among the Big Baroques, both for his magnificent vocal work and for his orgelwerke, and certainly, for his chamber music.
This way of panoramic it is the vision that offers us Christophe Coin and Ensemble Baroque de Limoges in this album: two cantatas, a funeral elegy, two chamber sonatas and three works for keyboard. All joined by a conductive thread, the presence of the viola da gamba playing roles so much of soloist as of continuo.
In the Sonatas Opus 1 Coin offers us an impeccable and incisive delivery, choosing energetic tempos and delivering one of the soloists voices -usually a violin- to the viola da gamba. Jan-Willem Jansen manages with property in the stylus phantasticus that there demand the prelude, the coral and the toccata for organ (performed in an authentic organ preserved in the Eglise-Musée des Augustins in Toulousse), in spite of that some critics consider him less endowed than Chapuis or Vogel. In what concerns the cantatas, Tauran and Del Pozo carry out a correct performance, impeded partly by the balance of the recording that emphasizes the instruments. The most powerful number of the disc is the Klaglied -for soprano, two violas and continuo-, composed by Buxtehude when his father died, who delivers sounds sublime and full of emotion in a monumental four-part conterpoint.

'Reflexio' Sonates pour flûte - Andreotti, Jansen, Coin, Azzolini (2006)

2009-05-29T21:55:00.010-04:00

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16 tracks - Mp3 256 - RAR 138 mb - Covers+Booklet

Maria-Tecla Andreotti, flauto traverso
Jan-Willem Jansen, lautenwerk & cembalo
Christophe Coin, viola de gamba
Sergio Azzolini, fagotto

Ensemble Baroque de Limoges

The documentary evidence says to us that in the house of the Bach Family music was played regularly (slightly obvious in a kindred of almost 20 members, 3 of them musicians of universal height). In the inventory of Bach's testament it has been found 8 keyboards and 10 string instruments, without counting flutes and oboes that were excluded because of his void monetary value. I do not believe that it is necessary to add that these concerts were famous for its extraordinary quality and that, in view of the intimate environment, great freedom would exist in the choice of the instruments for the continuo and even for the soloists.
With this conceptual frame behind, Christophe Coin and the soloists of the Ensemble Baroque de Limoges perform the very well-known Sonatas for Flute delivering a refreshing and new vision of the music of the Maestro, coming closer these familiar and intimate sonorities that we already mention. A bassoon in the accompaniment of the Sonata in E Major, a viola da gamba doubling the harpsichord line in the Sonata in B Minor, or moreover the Lautenklavier -extint keyboard instrument that was one of Bach's favorites- they deliver a new comprehension of Bach's music.

Thelonious Monk advice to Steve Lacy (1960)

2009-05-29T17:09:00.003-04:00

Don't play everything (or everytime); let some things go by. Some music just imagined.

Mare Nostrum - Fresu, Galliano, Lundgren (2008)

2009-05-28T18:31:00.010-04:00

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15 tracks - Mp3 320 - RAR 143 mb - Covers

Paolo Fresu, trumpet & fluegelhorn
Richard Galliano, accordion & bandoneon
Jan Lundgren, piano

Even not a lot of time ago this writer was part of that close legion of aficionados who considered that jazz was 4/4, trumpet, sax, bigbands, smoking clubs and a long etcetera of common places that constitute the image Jazz has constructed over itself.
But the years show you that the world is wider and wider and the things that you yesterday were condemning because its unorthodoxy or lack of revealed truth , today are nothing else but artistic honest, diverse and fruitful expressions.
Mare Nostrum is that, and is a lot more.
It is music simultaneously nostalgic, evocative, magic. And it is like a great sea, his sonorities have something of deeply and of abysmal, slightly aquatic where you can submerge. And as in the sea, one feels a restrained force, which expresses slightly but which allows to feel his immense power.

Magdalena Kožená & Marc Minkowski Live at Radio France (1999)

2009-05-26T14:52:00.013-04:00

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21 tracks - 320 kbps - RAR 179 MB - NO Covers NO Booklet

Georg-Friedrich Händel - Italian Cantatas (Live)
Tra le Fiamme HWV 170
La Lucrezia HWV 145
Delirio Amoroso HWV 99

December 18, 1999. Radio France

Magdalena Kožená, mezzosoprano

Les Musiciens du Louvre-Grenoble
Marc Minkowski

Sébastien Marq, Flauto
Pascal Monteilhet, Tiorba
Juan Manuel Quintana, Viola da gamba
Anton Steck, Violino
Jean-Louis Fiat, Fagotto

There are several recordings in which Magdalena Kožená and French director Minkowski have worked together: operas, oratorios and masses with the Czech mezzo integrating casts and -as I understand it- two albums with the singer as a soloist, in Handel Italian Cantatas (with Les Musiciens du Louvre-Grenoble, 1999) and French Arias (with the Mahler Chamber Orchestra, 2003). The first of these two corresponds to the recital we offer on this occasion.
Despite the somewhat pompous and willfull critical vision on his oeuvre, while recognizing their high level, Marc Minkowski was very successful 10 years ago with this album, partly because this young and beautiful Czech mezzo-soprano, Magdalena Kožená, who in a short time has captivated critics and the public, both for the quality of his bright tone, unique technique and dramatic sense.
Three cantatas, with a lush orchestral accompaniment, are what make up this disc, and we hear in this live concert on Radio France. They were composed by a young and ambitious Händel in his Roman period, when he frequented the courts of influential Italian cardinals. As noted Emmanuelle Haïm on occasion, we face a different Händel from the known institutional composer of the Coronations Anthems, the Great Oratorios or Te Deums. This is a young musician, passionate, perhaps in love, heir of Corelli, which shows us a dignified and noble Lucrezia that is dragged to the self-destruction, the most successful of the three deliveries.
Two encores close the concert, one of them the very known Doppo la notte -in a superb rendition- from the opera Ariodante, giving a farewell to this magnificent recital.

El transbordador Atlantis cruzando por delante del sol

2009-05-26T01:40:00.008-04:00

Estas impactantes fotos fueron tomadas al transbordador Atlantis mientras orbitaba la tierra para reparar el telescopio Hubble por un fotógrafo aficionado, Thierry Legault, desde el patio de su casa (!).

Marin Marais - Pieces de Viole du Second Livre.

2009-05-25T23:09:00.007-04:00

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14 tracks - Mp3 320 kbps - RAR 101 Mb - Covers+Booklet

Jordi Savall, basse de viole

Anne Gallet, clavecin
Hopkinson Smith, théorbe

A few weeks ago I have read a very interesting history related to the recording of this session on which Savall started the Marais's cycle.
It was running the year 1975 when Savall, which had begun to work for Erato, raises to the director of the french label the chance to make a few albums with the subject of the viola da gamba repertoire (Hume, Marais). The response was a disappointing denial - " nobody is interested in it ". In this context there appears the producer Michel Bernstein, who after hearing Jordi, Stephen Preston and Trevor Pinnock in a concert of Folies d'Espagne in Caen, he speaks to him about his label Astrée and of his project to realize a collection entitled Défense et illustration de la musique française.
Very soon they agreed to work on a disc dedicated entirely to Marin Marais, specifically his Second Livre, and for it Bernstein decided to record the session in an old and beautiful roman church St. Lambert des Bois, in Yvelines, near Versailles. Since this place stays closely together of a small airport, the recordings must be made between eight o'clock pm and the four of the dawn, retire to be supped on then by night and to resting to a small nearby hotel. How they get sense at the time this Voix Humaines and all this music understood now as a night music, given birth under the protection of the hazes of the Ile-de-France!

J. S. Bach - Oster-Oratorium BWV 249

2009-05-25T09:46:00.002-04:00

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17 tracks - Mp3 320 kbps - RAR 149 mb - Covers+Booklet

Oster-Oratorium BWV 249
Cantata BWV 66: "Erfreut euch, ihr Herzen"

Barbara Schlick, soprano
Kai Wessel , alto
James Taylor, tenor
Peter Kooy, basso

Collegium Vocale, Gent
Philippe Herreweghe

J. S. Bach - Ascension Oratorio BWV 11

2009-05-24T19:10:00.005-04:00

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18 tracks - Mp3 320 kbps - RAR 116 mb - Covers+Booklet

Cantata BWV 43: "Gott fähret auf mit Jauchzen"
Cantata BWV 44: "Sie werden euch in den Bann tun"
Oratorio BWV 11: Himmelfahrts-Oratorium

Barbara Schlick, soprano
Catherine Patriasz, alto
Christoph Prégardien, tenor
Peter Kooy, basso

Collegium Vocale, Gent
Philippe Herreweghe

Marin Marais - Pieces de Viole du Quatrieme Livre.

2009-05-22T20:39:00.010-04:00

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11 tracks - Mp3 320 kbps - RAR 104 mb - Covers+Booklet

Jordi Savall, viola da gamba
Ton Koopman, cembalo
Hopkinson Smith, tiorba

Les Pieces de Viole of Marin Marais were recorded for the first time of an integral way by Jordi Savall and diverse instrumentalists between the year 1975 and 1992.
This Suitte d'un Gout Etranger corresponds to the second one of these recordings, in January, 1977, and Savall (using one viola da gamba of anonymous author of the 18th century) is joined by Ton Koopman and Hopkinson Smith. All, young and iconoclasts men at the time, musicians of what today is known as the Second Generation of baroque musicians. Will they have imagined what the future would provide them and how they would transform into models and leaders of a whole cultural movement? The most probable thing is that not.
Published in 1717, when Marais already was counting respectable 61 years, the Fourth Book comes to be a formidable response to the mode italianizante of the French court. The most fierce rival of Marais-Antoine Forqueray - was personifying the vibrant foreign style and Marais was kept as the classic "nationalistic" inheritor of Lully's tradition.
Speaking in current terms I would dare to say that this Livre IV it is Marais's attempt of being kept in force in the renewed court - where his former boss Louis XIV has just died only two years ago - giving a rococo touch to his music by means of the incorporation of "characteristic" themes(this is naming the movements of the suite with picturesque or evocative titles); a complete example of this is Le Labyrinthe.
For whom we knew this wonderful music through the movie " Tous les Matins du Monde" - in the middle of the 90's-, a theme like La Reveuse (The Dreamer) will bring us nostalgic and agreeable images of a Gerard Depardieu regreting to his dying past. In Les Fetes Champestres you will be able to feel the beat of the bagpipes and the dance with a strong rustic air. Le Tourbillon is almost a monument to the ego with this amazing fingering that only is reserved to the chosen ones. And this way we might continue...

Blue Bottle

2009-05-07T16:12:00.008-04:00

Me acuerdo que cuando chiquitito en mi casa habían unas revistas CODEX de argentina donde te explicaban el mundo en dibujos. Y en una de esas salía este bicho: LA CARABELA PORTUGUESA.

De partida no es una medusa, es un Siphonophoro. Y tampoco es un sólo organismo. Es una colonia, donde viven muchos seres (?). Éstos -pequeñas medusas e hidroides- trabajan juntos para mantener viva la colonia. Tiene una suerte de vela gelatinosa en su cresta que le permite navegar, vive en aguas cálidas, preferentemente en la gulfstream, y posee TENTACULOS VENENOSOS DE HASTA 30 MT. Como muchos de estos hidrozoos, ataca a sus presas, entre las que se encuentra el hombre, inyectando el veneno neurotoxico de sus larguísimos tentáculos.

En esta semana (mayo 2009) se ha detectado un número inusualmente alto de Carabelas Portuguesas en el Mediterráneo cercano a las Islas Baleares, con el consiguiente temor de los turistas en temporada alta. Y no han encontrado nada mejor que disponer de un pescador que las caze y cobre luego la paga por bicho capturado. Se sabe que la Blue Bottle no esta en peligro de extinción.

http://ivanushkov.ru/

2009-05-06T03:31:00.001-04:00

cobrando cuentas pendientes

2009-05-06T00:49:00.006-04:00

Decir que no me gusta Pedro Lemebel sería falso. He leído y he disfrutado de sus libros desde mucho antes que fueran mainstream. Anoto que jamás he comprado uno, pero el sino me los ha puesto en mis manos de maneras diversas. Me he reído y he llorado según corresponda. He gozado como chino, en suma, reconociendo ese argot particular que nos caracteriza como comunidad, nadando en esas ornamentaciones de su escritura -llamadas barrocas, por algunos, pero que a mi me parecen manierismos-. Y también (cómo no) me lo he cruzado caminando por las calles del santiago cola comme il faut, o en reuniones con amigos comunes, o simplemente sale en conversaciones de cualquier joto de a pie que se precie de culto.

Durante muchos domingos lo leía con regularidad en La Nación y era el acompañante ideal de reposadas tardes, necesarias para descansar de agitados sábados. Eso hasta que el mencionado periódico se sumergió en su propia insignificancia y dejó de existir en el horizonte.

Evidentemente Lemebel como ente humano y literario va mucho más allá, pero valga como chapucera introducción.

Y todo esto, bueno, por la comentada polémica de principios de 2009, donde la vieja crónica del Unicornio Azul, que ha sido reciclada en un libro reciente, muestra a un Silvio Rodríguez homofóbico que recibe de mala manera las insinuaciones de Lemebel y un amigo literario acerca de la doble lectura de la famosa canción. Todo sellado por la sentencia pontificia del Silvio de la crónica que dicta: "Con la revolución todo, sin la revolución nada", o algo por el estilo, dejando a los hablantes de la colizonidad con un palmo de narices

El caso fue seguido muy de cerca por el columnista Bruno Bimbi, para el diario Crítica de Argentina, donde se puede monitorear paso a paso el desarrollo del proceso. A la larga este Bimbi pasó a ser uno más entre los actores de la polémica al escarbar de manera inclemente en la situación y emplazando a los sujetos a pronunciarse de la discusión.

En suma, Silvio Rodríguez negó -por supuesto- las acusaciones de supuesta homofobia y señaló su irrestricto compromiso con las minorías, etc. Mientras que Lemebel, quien en un principio había avalado lo escrito como una crónica nacida de circunstancias verídicas, luego se "retractó" diciendo que había que interpretar sus crónicas desde una perspectiva "humorística" o "lúdica" (sic). En lo que todos concordaron era que la polémica desatada se había salido de madre y estaba dando espacios para que elementos la usaran como artilugio contrarevolucionario.

Lo que estos prohombres (utilizando laxamente el giro, en el caso del escritor) nos señalan entonces es que no debemos distraer nuestra atención con estas discusiones menores, y perder del foco principal lo que importa, que vendría a ser la integridad y coherencia de la revolución (no se necesitan adjetivos cuando es el caso de la revolución cubana, tal como cuando decimos El, por jesucristo, o el Partido, por el PC).

Triste e indignante resulta ver al polemista incombustible de Lemebel reducido a dar explicaciones funcionarias y burocráticas. Uniformes y pulidas como un biombo de laca. Sin dudas incómodas ni quiebres de ningún tipo.

Guardando las proporciones, ésto me recuerda aquella famosa caricatura de Topaze: El León no es tan bravo como lo pintan.

En alguna parte de su recular Lemebel hace referencia a que lo que subyace (obvio) es "el superado tema de la izquierda y la homosexualidad". Y por supuesto que lo es, y no por superado precisamente. Lemebel mismo con su Manifiesto (1986) es una encarnación a nivel local de tan "superada" temática. Performaces legendarias como las Fridas, el mismo Manifiesto y su provocadora lectura en tierras entonces hostiles (mitín de izquierdas en el chile pinochetista), sus crónicas y demases no hacen más que trabajar desde la trinchera de enfrentamiento entre izquierda y homosexualidad.

Citas históricas como "Cuba no necesita peluqueros", campos de concentración-reeducación y tantas otras circunstancias hacen que la divergencia sea indeleble.

Ver a Lemebel en estos pantanos me recuerda un poco a Galileo, negándose a sí mismo para no perder un espacio en su propia comunidad. Quizá el ácido Lemebel del pasado está empezando a parecer incómodo al laureado -con justa razón- Lemebel de hoy. Jugando un poco al contrafactualismo podría inferir que el Manifiesto de hace 23 años atrás no le parecería un artilugio contrarrevolucionario al escritor entonces, y hoy sí. Hoy estaría -con un texto de esa clase- "dándole alimento a los reaccionarios para que sigan atacando el bello proceso cubano".

Negar que una persona, un escritor, cambie de visión con los años es pueril. Pero añoro la uña travesti de quien alguna vez arañó sin distinciones, como mono(a) con gillete, tanto al dictador como a los comunistas de buró y bigotillo.

Es penoso ver al alguna vez filoso cola contestatario devenido en alguien que ve la crítica como un acto de contrarevolución. Al más puro estilo del ya legendario control de cuadros.

Inesperadamente de vuelta

2009-05-06T00:40:00.004-04:00

cuando en algún meandro de internet volví a encontrarme con este proyecto de blog que aborté hace tres años, sentí que no era mala idea volver a utilizarlo, volver a intentar un blog. why not?

si esta web se me volvió a aparecer de la nada, no puedo desoír el sincronismo.

al ataque.

Reaparece el Pequeño Buda después de 6 meses

2006-12-29T15:18:00.000-03:00

Algunos creen que encerrarse en un convento o monasterio a orar o rezar es una pérdida de tiempo, y no muchas veces he pensado yo lo mismo. Qué de productivo o prolífico o útil, tiene el encerrarse a pensar por el mundo? Bueno, en pocas palabras, nada. Sin embargo no siempre se tienen todas las respuestas, y al menos hay que dejar el margen de la duda a quienes se encaminan a ciertas áreas misteriosas de nuestro mundo.

Hace sólo unos días me enteré de que había reaparecido luego de unos buenos meses el llamado "Pequeño Buda". Y quien es éste? Bueno, es un cabrochico, un pendex de 15 años que se arrancó de su casa en Nepal un día x y se plantó a vivir bajo un arbol gigantesco y bello, del mismo tipo en que, dicen, habría meditado el mismisimo Buda. Se cuenta que este chico ya a los 13 o 14 años estaba peregrinando a lugares santos y que pretendía convertirse en lama o monje budista. Para mayor confusión su mamá se llama igual que del buda originario, Maya. Este cabro está el día entero en meditación, escupe un par de palabras cada tantos días, se alimenta de papillas, y quienes lo observan ven a un chiquillo como desmayado y lacio, con la ropa hecha mierda, sucio y abandonado. Obvio que con tantas coincidencias no se hicieron esperar los que cercaron el sitio donde oraba, cobraron entradas y lo llamaron "la nueva reencarnacion de Buda" (y eso contando con que el mismo Buda dijo que esa era su última reencarnación). La conmoción en oriente y en todo el mundo no se demoró mucho. Y parece que quien menos está enterado de todo lo que ocurre es el mismo Ram Bahadur Bomjon, que es como se llama este cabro. Para quienes deseen más detalles de la historia, visiten: http://blogs.periodistadigital.com/cronicasdeunnomada.php/2006/01/22/la_increible_historia_del_pequeno_buda_d

Todo ángel es terrible, dijo alguien que no recuerdo.

Aquí en mi país los chiquillos de esa edad se hacen polvo en el bokhara, en el carrete del christopher o bebiendo y fumando en el fore los viernes, o simplemente conversando. Y eso también los convierte en ángeles terribles, pero en otro tono. Las volás de ambos pendejos son igual de válidas. Quien no me dice que hay tanto misterio en un cabro que se pone a vivir bajo un árbol y medita, como en uno que se llena de chapitas del euro y se hace un mohikano estiloso. Alguién me dirá que el buda pendejo está orando por el mundo y eso lo pone en un plano superior a los niños del imán en ahumada con moneda, pero quien me lo puede asegurar? Yo creo que estos niños del forestal también salvan al mundo de alguna manera. Y no oran, pero provocan (y quien sabe si no es lo mismo?). Y al igual que Ram Bahadur Bomjon poco o casi nada de conciencia, bueno: algo al menos, tienen de lo que hacen.